我一直觉得把作品做的多么深刻没太大的意义，声嘶力竭或故作深沉都会让人感到无聊，有时候就是一瞬间突然觉得这样做很有意思，就想表达出来。现成的经验是没有的，这些要靠直觉的指引，往往潜意识里我会选择那些对我触动或者刺激比较大的形象或气氛。我的性情比较感性，作品里没有那么深刻的观念，只是一种感觉而已。

作品的面貌是试出来的，而不是想出来的。我从内心不想在观念上多纠缠，也不太想这件事，古往今来，诸多好画，山头林立，群峰叠起，这是我们的传统，学习传统是一种滋养，从另外一方面说，这些对我来说只是参照系，可以作为背景。我画画的时候没有太多的理性分析，喜欢让自己本能一些，只要符合我的内心我就表达出来。

我还是一直靠直觉来画画，生活给予我们的东西很多，我们必须从容面对来自方方面面的压迫，这一切也在滋养着我们的笔墨，勾染间，神经末梢般的笔尖放纵地诉说我们内心想表达的一切。可能气质的问题吧，我对当代艺术的理解和把握很慢，关注多了会有一种被掏空的感觉，空间太大了，可选择的的确太多，想起杰夫昆得拉的一句话：“尽管我抱着怀疑，但我仍然残留着一丝非理性的迷信。”我觉得，现在看到的样子也未必就是它的全部，还是盯着自己吧。

画画，就像生活中我们嬉笑怒骂一样，其实就是自己的事，和别人没多大的关系，毕加索和莫兰迪差不多生活在一个时代，包括贾克梅蒂等等，他们都有自己的状态，乐此不疲，心无旁骛地做自己的事。故去不久的弗洛伊德，现在看他的绘画，与同时期绘画风格比较，其独特的文化现象，在那个时候是非常另类的。所以，画画的坚守很重要，想多了也没用。真正的艺术家，应该自信的与当下的所谓主流系统保持理性的距离，在相对的独立的状态下完善自己的言说方式。绘画的所谓深度与个人价值判断有关，与我们关注的深度有关。

所谓绘画过程中的自然性，应是绘画过程中对自身心性修为的自然性。绘画的目的不是再现，而是在一个源于心路的合乎逻辑的关系中表现我们所关注的形象，是有话要说，借题发挥而已，在形与色之间找到内在的共鸣。

我特别喜欢看达芬奇的手稿，达芬奇“笔记的原稿无所不谈，中间往往不连贯，同一页稿纸上，开头说的是天文，或者某种大自然的现象，接下去谈的却是声音的原理，往后说到的又是色彩，许多文字写在稿纸边缘的空白处。”图像与文字在不经意中所产生的内在的次序所散发出来的智慧与人文灵光，对我特别开智，其实，不论东方还是西方大师，在他们的艺术生态中我们能吸取很多的营养，并获得更广泛的资源并从中获得灵感。

我在作品中没打算赋予它多大的意义，对于素材的认识，我尽可能脱离它本身的意义，所关注更多的是“有意味形式”和笔墨的审美意义，最终的解读和感受好像不必替读画的人操心。

                                      2012年秋月吴非于是暘墨馆